Technique - oui mais pourquoi ?

Préambule

Les vidéos, blogs et autres livres pullulent sur le marché, recherchés par des artistes plus ou moins autodidactes.
C'est ainsi qu'on se retrouve, ses outils à la main, dessinant ou peignant à la manière d'un ou d'une tel-le. Souvent, il s'agit de représenter un ou plusieurs effets, forcément stéréotypés, mais en lesquels on se retrouve plus ou moins, et où l'on peut parfois s'auto-satisfaire.
Lorsqu'on ne recherche pas un effet, c'est parfois une tradition tout entière que l'on cherche à s'approprier, à laquelle on désire souscrire. Il en est ainsi de l'art iconographique religieux, par exemple.
J'y ai pour ma part quelques temps adhéré, jusqu'au moment où j'ai ressenti quelques incohérences entre la démarche orthodoxe et la mienne. Il m'était trop difficile d'appliquer servilement la même démarche, encore et encore... Défaut d'humilité ? Besoin d'exploration surtout.
Mais je n'ai pas jeté le bébé avec l'eau du bain. Loin s'en faut. Car si, aujourd'hui, l'iconographie orthodoxe semble avoir tout dit de ce qu'elle avait à dire, elle demeure bien souvent un témoignage vivant des techniques de peinture disponible en tout temps à l'humain dans la nature (entendez hors technologie industrielle). C'est ainsi qu'aujourd'hui encore l'artiste peut mettre en oeuvre des matériaux simples, permettant de mettre au monde visible les images que son esprit peut produire. C'est déjà assez pour manifester sa reconnaissance aux garants de cette tradition picturale pluri-milénaire.
Il y a en plus, dans cet art religieux, un aspect liturgique qui a été codifié en rapport avec les différentes étapes de la création de l'icône.
Il y en a du reste plusieurs, mais je vais maintenant en résumer une qui correspond particulièrement à ma façon d'accoucher d'une image de mon état d'esprit. Il suffira de transposer les particularités propres à l'orthodoxie artistique pour imaginer ce qui se passe dans mon atelier.
Voici une transposition littérale de mes notes.

Processus pictural en forme de liturgie.

Résumé en video du processus iconographique (Prosopon School)
(en cas de problème, suivez ce lien : https://www.youtube.com/watch?v=1oCEQJb4C7s )

• Le dessin, Le signe, est relatif à une volonté personnelle et divine communes. Il est paré sur le gesso qui symbolise une première forme chaotique de lumière incréée.

[je passe ici sur la pose du bol d'Arménie ainsi que sur la dorure des auréoles ]

• L'ouverture est la pose des couleurs de fond. Bien que parfois translucides, on les veut riches, saturées, profondes. C'est la vie qui sort du chaos, qui s'y appose.
• On reprend ensuite les traits du dessin au pinceau fin et en couleur sombre. C'est la Parole, la Loi qui définit l’homme, la vie.
• Vient ensuite la pose des premières lumières créées. Elles disent les volumes et les formes, la réalite physique, matérielle.  Attention, il n'y a pas de place pour l'ombre sur une icône. C'est bien les lumières qui définissent, en surgissant des couleurs du fond. On assiste à une naissance par la lumière. Non une immersion de lumière, mais une émergence de lumière.
• On voile ensuite cette première lumière ; il ne s'agit pas de la cacher, mais de préparer l'apparition d'une seconde lumière. Ce voile est un glacis coloré, encore peu chargé de blanc. Ce sera une harmonique du fond, similaire ou complémentaire.
• La seconde lumière est alors posée d'une manière plus fine et plus discrète que la précédente. Elle symbolise la réalité noétique (spirituelle, intellectuelle).
• Selon un principe déjà connu, on pose un second voile sur cette lumière.
• On pose alors la troisième lumière créée. Elle montre la réalité angélique ou contemplative. Bien qu'encore plus discrètes que les précédentes, ces touches présentent ou “définissent” encore mieux l'hypostase de l'icône.
• On pose un nouveau voile (ou glacis)  .
• Viennent alors les ultimes lumières, incréées, quelques rehauts discrets, sobres, lumières essentielles, suffisantes, qui répondent aux premières lueurs chaotiques du gesso.
• Vient ensuite l'onction. C'est le vernissage à l'huile pure que l'on enduit après séchage complet des couleurs de l'icône.

demo sur un visage

... Alors ...

Bien que ne prétendant pas formellement à la religiosité de mes images, je revendique comme artiste le statut de révélateur. En cela, malgré une certaine et relative distance avec la tradition orthodoxe, je pense que les techniques utilisées par l'artiste sont elles aussi révélatrices. Elles montrent le chemin emprunté par une réalité universelle pour surgir à travers la nature même de l'artiste.

English Résumé

In this article, I just try to find an interaction between a spiritual and a pictural process. Does the creativity follow pages of commercial art book or the spiritual paths of my mind ? I give here  the example of the orthodox tradition of iconography which gives liturgic meanings to a very ancient way of making images.

L'été est fini, vient la récolte

Cet été 2014 aura été consacré à l'observation des arbres et à la collecte de leur image, soit par le dessin direct, soit par la photographie.
Le but avoué est de retenir par une annotation visuelle les émotions eshtétiques ou philosophiques que j'ai ressenties en présence de nos co-habitants. La restitution du souvenir authentique,ou de sa reconstruction due au temps qui passe, sera l'objectif principal de cette série, sur un plan pictural. Libre à chacun, ensuite, d'y adjoindre ses propres connotations spirituelles.
J'ai beaucoup hésité avant de choisir de faire la collecte complète, réservant la peinture pour les mois d'hiver, plutôt que d'avancer tableau après tableau.
Pour ce thème -les arbres et les humains, j'ai engrangé plus de 1500 photographies et croquis. Plus que le stricte nécessaire, mais ce que j'ai vu était très beau et foisonnant.
Voici quelques uns des dessins faits, à la mine de graphite et aux crayons de couleurs Polychromos, sur le motif. le format se situe entre a6 et a5, sauf l'étude a tempera qui est en a3.

Vieux poirier à l'orientale

sequoia au trait et au bloc de graphite (format a6)

capturer la dynamique de croissance de l'epicea

polychromos sur papier gris (a6)

Ensuite, il faut s'y retrouver...

Première étude a tempera (a3)

Deux petites études de maternité selon une sculpture d'après Renoir (vue à Winterthur, Fondation Oskar Reinhardt)

English Résumé

In this article, I just tell about my choice of doing a recollection of visual notes (sketches and photographies) that will be the ground of the painting serie I'll make this winter. Name of the serie : Trees and Humans. It may change...

Promesse de quel esprit ?

Aujourd’hui je me borne à nouveau à poser quelques réflexions. L’image que je viens de terminer, Promesse, a été peint selon le même processus que Femina. Inutile donc de me répéter.   Ce que je veux faire aujourd’hui dans ce blog, c’est poser calmement quelques pensées sur l’auto-censure.

J’ai puisé à la fois dans ma culture religieuse et dans ma vie quotidienne (hommage rendu à mon épouse) le fondement de Promesse :

«  ...un pays où coule le lait et le miel...»  (Extrait du livre de l'Exode, dans la Bible)

Or voici que cette image reflétant à la fois un aspect de ma spiritualité et de l’amour que je porte à mon épouse et à sa féminité, cette image je ne puis la montrer sans courir quelques risques.
Il y a en effet peu de chance que je puisse la partager su Facebook sans me faire bannir. 
La communauté artistique avec laquelle j’ai l’habitude de communiquer n’a encore jamais abordé le genre du “nu” ; je ne pense pas vouloir être le pionnier parmi eux, car je pense sincèrement que je pourrai choquer quelques personnes avec cette image.   Quant à G+, je pense que les risques sont moindres qu’avec Facebook.
J’ai pourtant essayé de diminuer autant que possible les caractéristiques sexy ou glamour de cette peinture. Malgré cela, je pense qu’il vaut mieux que je me borne à la publier que sur ce blog et dans mon site.  Voici donc cette Promesse  :

Promesse

On peut constater que jusqu’ici je ne parle que d’auto-censure. En effet, personne n’exige de moi de faire ce choix (sauf peut-être les règlements de Facebook).   Pourtant, j’ai vraiment le sentiment de faire le ‘bon’ choix.   Mais je le vis comme une tension, au coeur d’une contradiction.

Internet -reflet de notre civilisation, est un des lieu où sont véhiculées les images les plus immondes, les plus violentes, les plus bassement pornographiques également.   Le sexe en particulier n’a jamais été montré ni vécu d’une manière aussi débridée depuis des siècles. La liberté sexuelle est une des révolutions(!) majeures de l’Occident.   Mais en même temps, il n’a jamais autant été criminalisé.   Un puritanisme de bon ton continue de faire paravent aux penchants les plus salaces et les plus pervers.

Je peux évidemment publier mon tableau sur des sites spécialisés ou déclarés “pour public averti”.

 Je ne le ferai pas.   Il sera visible ici.   Et c’est bien comme ça.   On le trouvera aussi sur Pinterest, site où les différents genres artistiques sont présents sans autre forme de procès.

English Résumé

In this article, I ask the question of the visibility of an image showing a "sexy" part of the human body, even if the purpose is to speak about spirituality («I shall give you a land where milk and honney are flowing»). I 've chosen to publish this image on my blog and my site (+Pinterest) but will avoid G+  community) and FaceBook because of "shocking-hazard" and possibility of banishment.

femina - tout simplement

J'ai choisi de présenter le plus simplement possible le processus créatif du portrait de Christina.
Son titre : femina.
J'ai utilisé comme Fil d'Ariane le manifeste et les réflexions exposées lors de mon dernier article "Peindre consciemment", paru le 24 avril dernier.
Donc, pour résumer, j'ai monté deux palettes : une pour l'élaboration des structures et l'autre pour les sensations colorées.
Comme les images sont plus parlantes, lorsque l'on parle de peinture, en voici quelques unes, celles des étapes clefs.

le dessin

le verdaccio

la meluzzina

sensations colorées

rehauts et harmonisation

 Pour une image haute résolution, cliquer sur l'image ci-dessous

De chuchotements-printables-max-2048px

Résumé

On peut encore mieux se rendre compte de l'évolution du processus en regardant cette petite animation de 38 secondes :

English Résumé

I chose to present as simply as possible the creative process of the portrait of Christina.
Its title. femina
I used as breadcrumb manifest and the opinions expressed in my last article "Paint consciously", published on April 24
Filmography So to summarize, I mounted two palettes: one for the development of structures and one for colored sensations
As pictures speak louder when we talk. paint, here are a few, those key steps.

Peindre consciemment

Un mois s'est écoulé depuis mon dernier article. Je n'ai pas peint non plus. Un court voyage à Florence (Italie) et un petit problème d'artère coronaire sont survenus dans mon parcours. Seul le voyage était prévu. Il aurait suffit à me faire revisiter ma façon d'envisager ma peinture. Mais le petit embarras cardiaque m'y pousse encore plus. Si déjà je m'étais résolu à choisir le thème de chaque image comme si elle devait être la dernière, je désire maintenant être sûr autant que ma conscience me le permet de traiter ce thème de la manière la plus authentique et la plus exigeante possible.

femina - étude pour un portrait

Mon prochain tableau sera un portrait, celui de mon épouse Christina. Au-delà de la ressemblance physique, au-delà des trois derniers tableaux que j'ai fait d'elle, c'est bien de ce qui émane d'elle dont je veux être le témoin reconnaissant.
Peindre un visage et la réalité de la personne à qui il appartient est une aventure peu banale. J'ai besoin de m'y préparer. Non seulement par une étude, mais aussi par le choix des moyens que je vais mettre en oeuvre.
Voici donc quelques réflexions à ce propos. Elles se résument à deux questions :

1.  A quoi donc sert le peintre, fut-il moi-même (sans jeu de mots) ? 
2. Quels sont ses moyens ( mes outils picturaux, les enseignements qui peuvent me soutenir) ?

1 - ici et maintenant

Balbutiement et Soupir N°13

Selon mon point de vue, l'oeuvre picturale consiste à rassembler l'ensemble de tout ce que le peintre (moi en l’occurrence)est capable d'offrir sur un thème.
Il peut en effet prendre tout le temps et l'espace nécessaire à représenter ce qu'il a senti de l'intuition, de la grâce.
A son tour, le spectateur recevra d'un seul jet cet ensemble, l'image, qu'il pourra selon son loisir et sa sensibilité et sa conscience parcourir pour l'absorber, le ressentir, s'en imprégner à son propre rythme.
«Ici et Maintenant» tient lieu de nos jours de formule sacrée. Formule d'adulte peut-être nostalgique de son enfance pour les uns, clef de la porte du Paradis ou du Grand Tout pour les autres. Chacun selon son état d'esprit. Reste que de formuler «ici et maintenant» fait recours à l'intellect, celui-là même qui court-circuite l'esprit par le désir de contrôle. Formuler est donc créer une illusion.
Ici et maintenant est une intensité HORS espace-temps.
C'est au coeur de ce paradoxe que sera plongé le spectateur de l'image faite par le peintre dont il est le transcripteur.

2 - contraste et harmonie

Voici un bref aperçu de ce qui sera développé dans les paragraphes suivants :

L'image picturale telle que je la conçois est faite d'une structure d'assemblage de traces et de surfaces.  Certaines offrent des contrastes lumineux ou/et colorés dont les lisières proposent des formes.  Ces lisières   sont le lieu du diaphane, là où le sens prend naissance, au coeur de notre mental. Hors les lisières, ou en elles sont les surfaces colorées qui qualifient le sens. toutes ensembles, harmonisent toute la surface, soutenues par la structure générale du tableau qui 
définit la dynamique de l'image, sa charpente, sa composition.

Ce petit manifeste peut paraître un peu ardu ou trop rapidement conclu. Voici donc quelques éléments de réflexion qui le sous-tendent.

3 - Développements

Exemple de lumière - Turner

a) Pour l'entendement humain, de l'opposition naît le sens ; ainsi en va-t-il des oppositions jour-nuit, chaud-froid, sombre-lumineux, néant-présence, etc.  Chaque élément de la paire est le complémentaire de l'autre ; ils peuvent soit exister grâce à l'absence de l'un deux, soit se trouver associés. On parle alors de contraste. Le contraste est donc issu de la juxtaposition des complémentaires.
Ce raisonnement est valable également dans le domaine du visible, de la luminosité et des couleurs. Les complémentaires sont donc tout indiquées pour construire un dessin ou pour définir une atmosphère très dynamique.
L'idée d'harmonie au contraire implique une notion de «sérénité» que la juxtaposition des complémentaires empêche, intrinsèquement. L'harmonie naît d'infimes variations tonales ou colorées, voire de mouvements sans heurts, coulant, des frissons d'aise.
Les contrastes donnent une accélération à la pensée, la mettent en mouvement, l'harmonie lui permet de continuer sur sa lancée.


b) L'attention ne peut se laisser attirer que par ce qui peut s'inclure dans son horizon sémiotique.  Autrement dit : "ce qui me parle, je l'écoute".

Exemple de lumière - La Tour

Par un jeu de contraste on attire donc l'attention du spectateur qui se laisse interpeller. En effet, les contrastes lumineux ou colorés font merveille (la lumière mouvante encore plus, mais ce n'est pas le propos du peintre).  Ils font office de signal et proposent le sens de l'image.
Se manifestent ensuite (parfois parallèlement) les sensations propres à la contemplation.  L'intellect se détend et une état d'esprit se met en place.   C'est l'harmonisation des formes, des couleurs et des valeurs lumineuses qui agissent.
Si le dessin et les contrastes définissent, les actes d'harmonisation réunissent, ouvrent vers l'infini.

c) On ne peut qualifier certaines couleurs de «complémentaires» que par le fait que notre cerveau les perçoit comme interchangeables.   Chacun a fait l'expérience de cette sorte de perception fantomatique : après avoir fixé longuement une couleur, si l'on fixe juste après une surface blanche, la couleur dite complémentaire apparaît, tout en conservant sa forme initiale.   A ce titre, le noir et le blanc sont également complémentaires, même si des personnes leur refusent le statut de couleur.

Contraste et harmonie - Duccio

Essayons d'admettre sans trop de démonstration la proposition suivante : en terme de perception lumineuse, notre cerveau réagit de manière similaire à un stimulus lumineux et à son complémentaire, mais peut lui attribuer un sens opposé en terme de sémiotique.   Voyez un visage vert ou bien rouge et c'est soit un cadavre soit un bon vivant que vous regardez.  Une pomme verte ou rouge sera immature ou mûre, etc.   Mais la tache verte ou rouge désignera toujours une personne ou une pomme, dans ces exemples.   Leur identité est conservée par la forme de la tache, son dessin.  Seules leurs qualités identifiables par la couleur locale seront signifiées différemment par le changement de couleur.

Verdaccio et meluzzina - Duccio

d) En fait, je pense que si le rapport verdaccio-meluzzina me séduit tant dans la peinture des visages et des icônes de Sienne, c'est par le rapport mortalité-vitalité qu'il exprime, même s'il se situe dans une sous-couche de la peinture.
De cette manière, et dans ce sens uniquement, je peux adopter en toute conscience cette «méthode traditionnelle» à chaque fois qu'elle s'inscrit et trouve écho dans mes propres sensations, que je veux exprimer mon propre état d'esprit  :o)

e)

Depuis de nombreuses années, j'associe dans mon esprit les oeuvres de Georges de la Tour et de Joseph Mallord William Turner.  Pourtant le caractère obscure de l'un semble s'opposer aux intenses lumières de l'autre.  En fait, chacun d'eux utilise l'un des complémentaires de luminosité pour signifier le mystère unifiant. De l'obscurité sort la lumière de La Tour alors que Turner élance sa lumière omniprésente vers de très hautes tonalités, d'où surgissent les sujets par contrastes et par couleurs se saturant. «The sun is God» serait la dernière phrase de Turner.

A ce duo, j'associe la compagnie d'un troisième peintre qui me tient énormément à coeur, Pierre Bonnard. Lui n'utilise aucun des contrastes créant le chiaroscuro des deux autres. Bien au contraire, il s'efforce de ne pas utiliser la couleur comme valeur tonale.  Là où Turner et La Tour utilisent le surgissement presque tri-dimensionnel et l'oblitération du contexte par l'obscurité ou la lumière transcendantes, Bonnard cherche le recours absolu de la surface unifiante et formant comme un tout cosmique et universel.
Turner et La Tour utilisent le surgissement par le contraste pour évoquer une présence métaphysique, "religieuse", alors que Bonnard la manifeste par une absence la plus complète de contraste, induisant ainsi l'idée d'un Tout unifiant, universel.

Exemple de lumière - Bonnard

Turner de toute évidence, mais aussi La Tour, agit dans la logique d'un graveur (très prosaïquement, la vente des gravures basées sur ses carnets de voyages étaient extrêmement lucratives). Bonnard, lui, agit en lithographe (à l'instar de Toulouse-Lautrec qui ornait lui aussi les rues de Paris de ses affiches).
Mais ce n'est pas tout. Si je suis attaché à chacun de ces peintres c'est qu'il y a en chacun d'eux quelques aspects qui me correspondent très intimement. Une constante recherche d'expression, un grand sens de la liberté par rapport à la critique et à la mode du moment, l'ouverture chez Turner, l'intime chez Bonnard et La Tour, mais aussi une très grande proximité avec la Nature, fut-elle humaine, et ce qu'elle exprime de puissant et de fragile, de permanent et d'éphémère, de proche et d'infini. Tout ceci me procurant une attitude très active et contemplative, un état d'esprit très religieux au sens le plus large du terme.

English Résumé

The pictorial image as I see it is made of an assembly of traces and surface structures. Some have bright and/or colored  contrasts the edges of which offer forms. These edges are the location of the diaphanous, where the meaning is born in the heart of our mind. Outside or inside the edges are colored surfaces that describe the meaning. They do all together harmonize the entire surface, supported by the general structure of the picture which defines the dynamics of the image, its skeleton, its composition.

Accrochage pour panneau mdf

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Objectif

Obtenir un dispositif d'accrochage que je puisse poser au dos d'un panneau mdf déjà peint, sans abîmer la surface picturale.

Matériel

• Un peu de bois dur (hêtre, chêne) (2x6cm et 2x4cm)
• du matériel de sculpture  : couteaux, fraises (Dremmel), papier abrasif,
• gélatine animale, essence de girofle
• colle à chaud (pistolet)

Bilan

La sculpture est simple. Voici ce que cela donne (sur cette photo, le panneau qui est dessous n'est pas de la bonne taille évidemment :o)  :

deux crochets (droite) et deux pièces de compensation (gauche)

Je donne ensuite deux couches de gélatine animale additionnée d'essence de girofle pour éloigner les insectes.
Pour terminer, j'utilise un e colle que j'applique à chaud au pistolet, ce qui permet d'éviter la mise sous presse : une forte compression nuirait certainement un peu à la couche picturale.
La suspension ce fait sur une ficelle / câble tendu entre deux clous, vis ou autre objet fixé dans la paroi.
Pour des panneaux de petites dimensions, un seul crochet suffit, mais il faut tout de même deux pièces de compensation.

English Résumé

This time I make some hooks out of hard wood ; I want to glue them with a hot glue gun in order that no extra pressure will dammage the painting surface.
Like the mdf pannel, the pieces of wood are coated with gelatin in which I added a few drops of clove oil : all insects will stay away :o)

Trois couches de «vernis»

Comme prévu hier, j'ai passé aujourd'hui trois couches protectrices sur Mon tableau.
J'insiste sur le fait que ce n'est pas un vernis de protection. Il s'agit simplement d'une émulsion au jaune d'oeuf, eau, vernis dammar et un tout petit peu de blanc d'oeuf.
L'effet est incolore et satiné. Cela permet de revisiter l'entier de la surface, de faire sauter les poussières ou fibres et effectuer les petites retouches  sur les éventuelles griffures ou autres petits accidents.
Je vais laisser cette couche au minimum un mois avant de la polir à la flanelle et de lui donner une couche de blanc d'oeuf. Après cela, j'exposerai le tableau aux rayons UV du soleil qui rendront l'albumine insoluble à l'eau.
J'aurai ainsi de la résine dammar et de l'albumine comme protection contre l'humidité sur la surface picturale.
Je rappelle le lien pour télécharger ou observer le tableau Nefertitina en haute résolution :
http://media-cache-ak0.pinimg.com/originals/1f/33/ec/1f33ece04a3a4833ea5b57f1aeac7fd8.jpg

Nefertitina - Touches Finales

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Objectif

Terminer la peinture en donnant les derniers glacis et rehauts clairs, foncés et colorés.
Matériel
Tout ce qui est à ma disposition, mais surtout des pinceaux très fins pour les rehauts.
Bilan
Des moments d'observation intense de la peinture et du peintre. C'est lors de cette session que je vais m'assurer d'avoir bien sous les yeux l'image de ce que je ressens au fond de moi. Tous les moyens sont bons. Je veux juste éviter de sur-travailler l'image, car je sais par expérience que c'est aussi le temps des pléonasmes, ces redites qui rendent la beauté ridicule.
Je ferai encore des session de glacis incolores de protection, sorte de vernis-fixatif à base de blanc d'oeuf et de jaune d'oeuf. Voici une photo du résultat final en résolution maximum de 2048 px.

Pour une photo en plus haute résolution, vous pouvez me contacter. Je vous rapelle que vous avez le droit de copier mon travail, de l'imprimer et de le partager en toute gratuité.

Droit à la culture  :o)

English Résumé

Time of intense observation of the painting and the painter. It is during this session that I will make sure I have under my   eyes the exact image of what I feel inside me. All means are good. I just want to avoid over-working image, because I know from experience that this is also the time of pleonasms, these repetitions that make the beauty becoming ridiculous.

Nefertitina - Troisième Reprise

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Objectif

Structures et rimes visuelles

Continuer la peinture de la chevelure tout en commençant l'harmonisation avec le fond.

Matériel

Un pinceau à lavis n°000 et 3 ;
Les pigments de la palette habituelle de ce tableau avec une tempera au médium de base.

Bilan

La session, bien qu'interrompue un peu prématurément annonce une série d'effets prometteurs. C'est ainsi qu'apparaissent des structures en forme de vase, voire de coiffe, à l'instar de la reine égyptienne qui a valu son surnom à cette peinture.
De même sont maintenant visibles les rimes visuelles qui étaient déjà présentes sur le projet dès la première heure.
S'il ne manque pas de centres d'intérêt, le tableau souffre encore un peu d'un manque de cohérence.
Ce sera le travail de demain.

English Résumé

The entire panel is visited with a wash brush made of petit-gris (N°000 and 2) loaded with glazes (cold and warm, even hot) and vellature (mainly warm, but very luminous and translucent).
I had to interrupt this session before it is entirely achieved. We can nevertheless catch a glimpse of some deep and significant structures, plus visual rimes that make that picture sing an air of poetry.

Nefertitina - Seconde reprise de la chevelure

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Objectif

préciser les mouvements et les valeurs de la chevelure, tant sur le plan de la luminosité que des couleurs, en accordant une grande importance à la température de ces dernières.

Matériel

Une petit pinceau fin bombé en martre n°1 et 2
Les pigments habituels plus rouge primaire (PV19)

Bilan

Une session magnifiquement agréable à travailler. Cette peinture devient petit à petit le lieu de milles reflets colorés, comme une couronne naturelle et vivante.
J'ai ajouté des turquoises et des pourpres, mais sans jamais descendre de tonalité au-delà de celle de l'hématite.
J'ai travaillé aussi bien en peinture directe que négative.
Je donnerai une couche protectrice demain et harmoniserait cette chevelure dans son ensemble.

L'ultime étape consistera à donner les rehauts lumineux, sombres et colorés.

Hématite, turquoise, pourpre

English Résumé

This step consists in defining more accurately the hair in terms of temperature, dynamic structure and colors. I added turquoise and purple to my palette, without giving them a darker value than the deepest value of hematite.
Tomorrow is the step of harmonization and highlights (light, dark and density of colours), maybe the last one :o)

Nefertitina - Reprise de la chevelure (bis)

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Objectif

Poser une couche protectrice sur l'ensemble du tableau et faire une reprise de la chevelure, en partant de cette nouvelle base.

Matériel

Un pinceau à lavis n°7 en petit-gris, un médium maigre (= base + vernis dammar) pour la couche protectrice ;
un striper, des pigments blancs, ocre doré et jaune primaire avec une tempera au médium de base pour la reprise de la chevelure.

Bilan

La couche de médium au vernis dammar permet d'isoler la couche picturale sous une protection relativement insoluble à l'eau.
Le fait de poser cette couche indique que j'ai décidé de ne plus revenir en profondeur sur la composition générale. En effet, pour revenir au niveau du bois brut, il faudrait désormais utiliser des outils abrasifs, la résine dammar n'étant pas soluble dans l'eau. On pourrait utiliser de l'essence de térébenthine, mais ce n'est pas dans ma pratique usuelle.
Pour la reprise de la chevelure, j'ai procédé comme lors de la première tentative, soit en tournant le tableau sens dessus dessous.
Tout en me référant à mes deux études préliminaires au stylo à bille, j'ai également utilisé le principe même du dessin à structure chaotique.
J'ai utilisé des tempera semis-opaques de blancs teintés de jaune primaire ou d'ocre doré de Vérone. A aucun moment je n'ai utilisé de blanc pur. Par contre, il m'arrivait de mélanger les deux teintes en les laissant s'interpénétrer sur la palette.
J'ai arrêté cette session aussitôt que l'ensemble de la surface picturale de la chevelure a été entièrement visitée.
Il faudra ensuite donner une nouvelle couche protectrice, cumulant probablement le rôle de glacis.

English Résumé

The entire panel is covered with an isolating medium containing dammar varnish.
The hair is painted in whites tinted with golden ocher or primary yellow. I draw them using my chaotic structure technique, but also keeping an eye on my previous studies.
The whole surface has been visited by my striper before I interrupt this session.
I'll have to protect this new structure with the same medium as before (including dammar varnish), maybe tinted in order to glaze some areas of the hair.

Nefertitina - Un bon fond ?

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Objectif

Dégradé de tons complémentaires

Après avoir tracé rapidement les corrections en donnant également les indications de température, il s'agit aujourd'hui de peindre le fond dans sa forme définitive (probablement :o)

Moyen

Les pigments blancs et bleu primaire ,
un pinceau petit-gris mouilleur n° 1,
le medium de base,
beaucoup de temps...

Bilan

La grosse difficulté dans l'exécutions de ce fond est le dégradé bleu vers rose-orangé, ou plutôt froid vers chaud, dans des valeurs très élevées en terme de luminosité.
Plus de cinq heures et demie de travail minutieux ; un résultat à la hauteur de la patience demandée.
Ce type de technique est tout-à-fait favorable à la méditation  :o)

English Résumé

This session, the background is (I hope) finished. The main difficulty lies in the execution of the color gradient, from cold to hot (lukewarm should I say). I think that the five and half hours of careful painting were worth it :o)

Nefertitina - Retour aux sources

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Objectif

début de transformation

Après avoir encore une fois retoucher l'épaule de droite (son épaule gauche), m'est apparue une gêne. J'ai constaté une disharmonie entre ce que je voyais dans ma tête et sur le panneau. Cela ne semblait qu'un petit problème, mais je ne savais par quel bout le prendre.
Le seul moyen, faire du petit problème un gros problème, bien visible.
Je suis donc retourné à la source de mon idée, inscrite dans le premier croquis que j'ai fait pour ce projet. I suffisait ensuite de réaccorder les deux images. Simple

Matériel

Crayons de couleurs Polychromos, en base d'huile
Pigments habituels plus le cyan (bleu primaire de phtalocyanine, PB 15)
La tempera de base et les pinceaux de petit-gris n° 00 et 2.

Bilan

sous-couche achevée

Tout s'est bien passé, malgré une certaine retenue au début du processus. Normal, je m'étais déjà un peu attaché à l'image telle qu'elle était et... il est difficile de recouvrir un travail qui a déjà demandé pas mal d'énergie et de don de soi.
Mais une fois les premiers traits décisifs accomplis, ce fut un vrai plaisir que de retrouver enfin l'image telle que je l'avais rêvée  :o)
Bien entendu, le contraste apporté par le bleu sur sa complémentaire orangée est un peu fort dans le haut de l'image. J'équilibrerai cela en ajoutant de la luminosité sur le fond.
Il faudra également reprendre le détail de la chevelure entière !..
C'est pas grave, j'aime peindre  :o)

English Résumé

The purpose of this session is to re-establish the painting as I dreamed of it. The main difficulty concerns the "mourning" of all the work done until now. But it worths it. I used pencil in oil base and the usual brushes, medium and colours (+ cyan).
You'll notice that I gave a final form to her left shoulder.
One can consider there is too much contrast in top of the picture, due to adjacent complementary blue and orange. This will be harmonized later thank to higher tones of luminosity.
There's a lot more to do. I'm lucky : I love painting  :o)

Nefertitina - Seconde reprise

 Anglophones, you're welcome ; if the google traduction (select your language in the right column) doesn't do it well, please find a little english résumé at the bottom of this article  :o)

Objectif

J'ai aujourd'hui effectué la seconde reprise. J'ai modifié l'épaule sur la gauche et allongé l'épaule sur la droite.
J'ai également travailler la forme et la luminosité de la chevelure et son intégration au fond.

Matériel

Les pinceaux et couleurs habituels.

Bilan

Pour une seconde reprise, je suis assez content du résultat (provisoire), à l'exception de l'épaule de droite.
J'ai choisi de la prolonger un peu, en peignant au dessus du fond déjà en place. Le raccord a été assez long à faire, mais s'est tout de même bien passé. Par contre, on dirait que son bras manque. ==> Il faudra suggérer la forme de son bras.
Pour l'épaule de gauche, j'ai modifié sa forme en effaçant une partie du fond à l'éponge humide. L'opération fut très facile et rapide.

English Résumé

In this session I worked on the hair and background. I also modified both shoulders. The on on the left was shaped by erasing a part of the background with a sponge. The other one was painted over the background, which was more difficult to do.
One can see that her arm seems missing... A little work for next session.

Nefertitina - Première reprise du fond

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Objectif

J'ai aujourd'hui effectué la première reprise du fond.
Il s'agit de donner une température plus froide aux lumières extrêmes pour offrir un contraste aux ombres qui, elles seront chaudes.

Matériel

Un pinceau en petit-gris n°00
Des couleurs assez liquides faites à base de blanc, très légèrement réchauffé d'ocre doré de Vérone ou très légèrement refroidi d'hématite, ou très légèrement teinté de rouge de Venise.

Bilan

J'ai commencé par la partie inférieure du tableau, passant un blanc froid près du corps et progressivement réchauffé en s'en éloignant. La touche était verticale et très fine.
La partie supérieure, en contraste, a été effectuée très hardiment, très librement, débordant très souvent dans la chevelure même. Ainsi, en utilisant du "blanc", j'obtiens différents contrastes grâce au diverses températures et au diverses touches de pinceau.
L'ensemble sera repris ultérieurement en nuances, mais le fond est maintenant suffisamment élaboré pour pouvoir reprendre la chevelure au striper avec différentes couleurs, cette fois-ci.

English Résumé

The purpose of this session is to paint the background in its final tonal value. It was done with different kind of brush touches. Calm and vertical at the bottom right, they become free and full of energy on the top and the left of the painting. The white tempera was sometimes warmed up with a little amount of yellow ocher and sometimes cooled down with hematite (specially near the body).
I will be able now to go in painting the hair, with different colours this time.

Le nouveau chevalet

Afin de pouvoir travailler dans une position plus adaptée à mon état physique, j'ai conçu et réalisé (bricolé :o) ce chevalet pivotant sur 360° et inclinable de tous côtés jusqu'à environ 45°. Posé à bonne hauteur, il permet de travailler assis sans avoir à lever les bras. La position debout permet le recul que l'on a avec un chevalet de studio habituel.

Translated in english :

The new easel

In order to work in a more suitable position according to my physical condition, I designed and built (tinkered :o) this easel. It is 360° rotatable and tiltable to all sides about 45°. Placed at the right height, I can work sitting without having to lift the arm. When I stand, I have a good vision down, as with a normal studio easel.

Nefertitina - Première reprise de la chevelure

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Objectif

J'ai aujourd'hui effectué la première reprise de la chevelure.
Cela peut sembler curieux de procéder à cette étape alors que le fond n'a pas encore sa forme définitive et que les cheveux isolés seront donc en grande partie recouvert lors de cette future étape.
J'ai voulu pouvoir observer la luminosité moyenne de la chevelure finale afin de pouvoir peindre un fond qui puisse le plus possible s'accorder, s'harmoniser avec cette chevelure ; cela limitera les interventions très délicates lors des dernières retouches.
Matériel
J'ai utilisé exclusivement le striper que j'ai décrit ici.
Comme couleur, j'ai utilisé un ocre doré fortement augmenté de blanc (titane et zinc). Il sera la tonalité la plus lumineuse de cette image, tout comme l'hématite en est la tonalité la plus sombre.
Bilan

J'ai donc maintenant les deux extrêmes en terme de luminosité.
La peinture au striper fut un vrai plaisir. Bien sûr, il a fallu une couleur dont la fluidité correspondait bien à la tenue exclusivement verticale du pinceau. Elle devait pouvoir s'écouler librement, sans former une goutte à la pointe de la brosse.
J'ai pu appliquer un réseau de lignes chaotique, mais répondant tout de même à la structure générale de cette chevelure. Il fut également possible de travailler en hachures avec cette même brosse, et ceci avec une extrême énergie. Très défoulant et expressionniste !
A partir de là, je vais donc pouvoir travailler le coloris du fond ainsi que sa tonalité finale. Je pourrai ensuite poursuivre l'élaboration de cette chevelure avec le même pinceau mais d'autres couleurs-tonalités  :o)

English Résumé

The purpose of this session is to test the final luminosity of the hair, in order to complete a background (as harmonious as possible at this early stage), on which I will finally be able to paint all the single hairs I want.
I painted with the striper brush and my very highest value (for this painting) made of golden ocher from Verona and a big amount of white (titanium and zinc). I had to find the appropriate fluidity and opacity for this paint, because I must hold my striper in a vertical position.
It was a fabulous experiment to paint those chaotic, yet a little structured, lines. It was also possible to paint some areas in cross hatching with a high expressionist energy !
From now on, I'll try to paint the background in the most precise value and colour, in order to complete hair in whole serenity (Just think how difficult it could be to adjust the background between every single hair...  :o)